El programa tuvo vigencia hasta que la companía de galletas Nabisco suprimió el patrocinio. Entónces en el verano de 1935 saltó a la carretera, realizando al principio conciertos en poblaciones mediocres, hasta que llegó en agosto a los Ángeles a El Palomar, que congregó a miles de personas más fieles a “Lets Dance” y deseosas de bailar, por lo que este concierto fue insólitamente todo un exitazo. El Swing era ya la música de América y Goodman su mito. Logró popularizar el Jazz a gran escala. En aquella época se multiplicaron las multitudinarias bandas de Swing, siendo aclamadas por la juventud. Las ventas de trompetas y clarinetes, los instrumentos de Artie Shaw y Benny Goodman, se multiplicaban, e incluso se originó una nueva forma de vestir como los pantalones anchos y las faldas plisadas para hacerlas revolotear al ritmo enloquecido del baile. De alguna manera éste era una forma de rebeldía contra las reglas establecidas, una actitud que más tarde se reproduciría con el Rock&Roll casi calcado. Goodman se unio entónces a Teddy Winson y Lionel Hampton, actuando en formación de cuarteto y cediendo protagonismo a jóvenes músicos. Otra gran banda de Swing de la época fue la del batería Chic Webb. En la primavera de 1937 el clarinetista se aventuró a retar a Webb en lo que se conoció la batalla musical del siglo. 4.000 seguidores acudieron al Savoy a presenciar todo un duelo de big bands, llevándose la palma la banda contrincante de Benny Goodman. John Hammond estaba ya ciertamente cansado del continuismo de Goodman, y una noche del invierno anterior saliendo del hotel Congress donde aquel actuaba, hastiado de la fiesta, se metió en su coche, puso la radio, y sintonizó una emisora pirata de Kansas. Así fue cómo descubriría a un innovador Count Basie, quien abrió un nuevo camino hacia las pequeñas bandas y la interpretación individual del músico de Jazz.

Daniel Henderson, profesor de música de la Universidad de Harvard, unió su trompeta. Clark Burnside el clarinete, Will Kimball el trombón y Joshua Payne el banjo, interpreando finalmente “Won’t You Come Home Bill Bailey” (otro standard de Hughie Cannon). Pero el fenómeno no acabó aquí, el sorprendente suceso se convirtió en un fenómeno del marketing viral, con más de 800.000 visitas en apenas 72 horas. Así es como Call ha encontrado la manera de hacer famoso a sus “The New Hot 5″.  de esta forma tan fortuita: “Ha sido pura casualidad, mi mujer me convenció en que el video era bueno y me sugirió subirlo a YouTube. Mi hijo se encargó del montaje y tras configurar una cuenta en la famosa web de video, comprobamos que se había convertido en todo un viral. Ha sido increíble”, afirmaba entusiasmado.

El jovencísimo cantante Sachal Vasandani, natural de Chicago aunque de padres de orígen indio, combinó los estudios económicos con el Jazz en la universidad de Michigan, donde fue alentado por Winton Marsalis y la Orquesta de Jazz del Lincoln Center para lanzarse profesionalmente al Jazz. Su debut en el sello Mack Avenue donde grabó “Eyes Wide Open”, título que no pudo ser más premonitorio de lo bien abiertos que tuvo sus ojos para que el disco fuera un enorme éxito. Aquello fue un perfecto revival de populares cantantes de los años 50 y 60 como Dean Martin, (o también conocido en los night clubs como Dino Martini), Bing Crosby y Perry Como (a Frank Sinatra lo consideramos aparte), pero también referente de grandes intérpretes como George Gershwin, John Hendricks, y ya contemporáneos a él, Harry Connick Jr. y Kurt Elling, últimos grandes eruditos del Crooner y el Vocalese.

El padre de Sachal Vasandani fue también un gran cantante de música tradicional india, y Sachal confiesa el mismo respeto por el Hindustani y Carnatic Music que por el Jazz. Sachal conoció en Hendricks en 2008, a una edad tan avanzada como la de su abuelo, casualmente también de 86 años, lo que contribuyó a fraguar verdadera amistad e inspirar “Hi-Fly”, tercer y último disco del cantante norteamericano.

Mientras que el anterior “We Move” se caracterizaba por las canciones nostálgicas, en Hi-Fly Vasandani encuentra contrariamente optimista. “En este disco he querido compartir algo de la alegría de cantar esta música”, dice Vasandani. “Sólo he tratado de pasármelo bien. Yo estaba pensando menos en el corazón del oyente y más acerca de la celebración”. Este espíritu de celebración es totalmente patente en “One Mint Julep”, en el que Vasandani se une en dúo con Hendricks, una composición de Randy Weston para el que escribió la letra. Hay también letras originales de Vasandani, como la que le dedica a su novia “Babes Blues”, donde pactica el falsete acompañado del sonido excelente del saxo de John Ellis, la trompeta de Ambrosio Akismusire y el contrabajo de David Wong.”Flood” está inspirada en las últimas catástrofes naturales de Asia, Pakistán y Japón, todo un lamento hacia tanto sufrimiento humano.

Además de la colaboración de grandes músicos, el trabajo del percusionista Kendrick Scott, el pianista Jeb Patton y el mencionado bajista David Wong, logran una sonoridad excelente, rodeando de forma natural la acaramelada voz del joven vocalista, reunidos ellos bajo la batuta del gran John Clayton.

“Ha sido maravilloso trabajar con él”, dijo la artista, refiriéndose a 3 de las 12 canciones en los que aparece al lado del mítico cantante y compositor de Salvador, Bahía en Brasil. Ambos interpretan el clásico de Gil “Toda Menina Baiana” y los temas “Aquele Abraço” y “Turn To Me” (Samba Maracatú en portugués). Elias vuelve a incurrir en los ritmos de Brasil tal como sucediera en el disco titulado “Eliane Elias Plays Jobim” de 1989, su primer tributo de la Bossa Nova. No es la primera vez que Elias y Gil ambos tocan juntos (Elias es directora musical de su grupo), pero sí la primera que graban, aclaró la cantautora. “La comunicación, la afinidad que tuvimos. Conozco a Gil desde hace muchos años pero es la primera vez que tocamos y cantamos a dúo. Me gustó mucho. Espero hacerlo más seguido”, dijo la cantautora, de 51 años, quien este año cumple 34 años de carrera. Grabaron en el mismo estudio, algo que sucedió por casualidad en octubre, cuando Gil visitaba la Gran Manzana y coincidió con los días que Elias había reservado para grabar su disco. “Él quería que hiciéramos el álbum juntos pero como yo veía que no iba a ser posible, intentó reunirse en Brasil, pero de pronto me llamó y dijo que iba a estar por Nueva York 4 días, justo los días que yo tenía en el estudio”, recordó Elias.

Ensayaron bastante, pero cuando se inició la grabación había un espíritu tan bueno que todo salió muy natural. “Casi todo salió a la primera. Fue fantástico. Repetimos grabaciones pero la que nos gustó más fue la primera”, añadió sobre el álbum en el que también tocan el bajista Marc Johnson (actual pareja de la pianista), la hija de Elias, Amanda Brecker; el trompetista Randy Brecker, el guitarrista Óscar Castro-Neves y el baterista Paulo Braga.

“Es un disco que tiene momentos de alegría, de calma y de gozo. Fue como si Dios así lo hubiera querido. Pareciera que tuviera vida propia, como si escribiera su propia historia”, agregó Elias, con una trayectoria de más de veinticinco discos grabados y varias nominaciones a los Grammy. Elias comenzó a estudiar piano a los 7 años, herendando el talento musical de su madre Lucy, igualmente pianista. A los 15 estaba enseñando piano e improvisación y comenzó su carrera profesional a los 17 con el cantautor Toquinho y el poeta Vinicius de Moraes. En 1982 se muda a Nueva York, donde vive, y realiza su primera grabación dos años después. A parir de entónces se hizo muy popular al formar parte de la banda de Mike Mainieri, Michael Brecker, Eddie Gómez y Peter Erskine, Steps Ahead. Es una de las protagonistas del documental de Fernando Trueba “Calle 54″, que reune las principales voces del jazz latino en homenaje a la famosa calle de Manhattan.

Estando allí estudió junto a Billy Childs, Kenny Barron y Shelly Berg. Ha llegado a trabajar con Diana Krall, Roy Hargrove, Matt Slocum, Al Foster, Nash Lewis y Clark Terry. Ha tocado a dúo junto a Benny Green, Kenny Barron, Mulgrew Miller, Hank Jones y otros. Desde 2008 el jóven pianista ha hecho méritos más que suficientes como para empezar a ganar enteros en las encuestas de estrellas sobre estrellas contempráneas del jazz justo con la llegada en 2009 de su primer álbum, “Two Shades”, financiado pupularmente a través de Artist Share. Al año siguiente, participó tocando en piano en en album los Clayton Brothers,”New Song and Dance”, obteniendo una nominación al Grammy por ambos trabajos. Desde ese momento la carrera de Gerald Clayton va en vertiginoso ascenso.

Clayton continúa por este camino con el lanzamiento de “Bond, The Paris Sessions”. Continúa con la misma formación de trio junto a sus buenos amigos como le gusta destacar al propio Clayton, Justin Brown a la batería y Jon Sanders al bajo, los tres trabajaron en el primer disco “Two Shades” primer disco en vez de ir en una dirección diferente. El título del disco, “Bond” (Vínculo en español), apela a la coherencia entre los tres, algo totalmente evidente siguiendo el laberinto de algunas composiciones y arreglos. En efecto, escuchando a estos músicos nos recuerdan a otros célebres tríos como el de Bill Evans junto a Scott LaFaro y Paul Motian. Clayton y sus amigos insuflan nueva vida a una vieja canción, alimentándose del constante jugueteo de instrumentos.

En el video promocional publicado en All About Jazz de “Bond”, es palpable este buen rollo que transmiten los tres músicos entre sí:

http://www.allaboutjazz.com/php/news.php?id=81287

“La tradición y la innovación pueden coexistir con toda naturalidad”, declara Clayton, sobre la parte de “Bond: El Reparto”. Es una melodía inescrutable, tímidamente sugerida que eleva la tensión en adivinar por donde va a ir y que te confiere un enorme placer. Hay partes sorprendentes, de corte clásico basados en coros cantados por los propios músicos, o en las que destaca el uso de órgano eléctrico. Hay también un bonito solo de contrabajo de Joe Sanders abriendo el corte titulado “3d”.

El álbum finaliza con una preciosa pieza titulada “Hank”, compuesta por el padre de Gerald, John Clayton, dedicada a la figura del tambien pianista Hank Jones, fallecido justamente hace un año, y también genio del Swing, el Bop y Hard Bop.

Se declara autodidacta, aunque estudió nueve meses en la escuela de Berklee. Fue gran amigo de Michael Hedges. Hedges fue otro de los músicos insignes de Windham Hill Records, que fusionó el estilo clásico con otras técnicas para guitarra acústica. Su talento fue descubierto, a principios de los 80, por el fundador del sello de Palo Alto en California, William Ackerman. Michael Manring empezó a tocar con Michael Hedges cuando tenía 18 años, el cual ejerció una enorme influencia en él. Antes de que los dos tuvieran nuestros respectivos contratos, tocában por 50 dólares y dormían en la furgoneta de Hedges. Su primera grabación fue en el disco de Hedges “Breakfast in the Field” de 1980. Alababa su gran vida interior, sus ganas de vivir al límite, y en ese sentido lo compara con otro músico al que dedica gran admiración, Jaco Pastorius, con quien mantuvo una relación profesor-alumno.

Jaco fue igualmente una brillante figura en el mundo del jazz-fusión. Nacido en Pensilvania en 1951, Pastorius extrajo artesanalmente los trastes de su propio bajo eléctrico un Fender modelo Jazz Bass de 1962 transformándolo en un fretless,variedad del bajo hasta el momento poco conocida y utilizada, cuya sonoridad y técnica son más similares a las del contrabajo acústico y más dulce que el bajo eléctrico tradicional. Con ello crearía una nueva sonoridad con mayor expresividad. Por su originalísimo estilo, su innovadora y extraordinaria técnica de digitación, su virtuosismo, la particular posición de la mano derecha utilizada por Jaco, además de su excelencia musical, conseguiría llevar al límite de sus posibilidades este instrumento. La vida de Jaco Pastorius fue delirante, poco respetuosa hacia quienes le acompañaron, y desgraciadamente acabó mal. Como le sucedería a Charlie Parker, fue internado varias veces por sus trastornos maníaco depresivos, pudiendo pasar de la más absoluta depresión a un estado de euforia en cuestión de segundos.

Y mi tercer bajista favorito del Jazz Fusion es Marcus Miller, que como tantos músicos de color vivió en el seno de una familia de músicos siendo su padre organista en la iglesia. Nacido en Nueva York en 1959, se inclinó también por el bajo eléctrico y a los 15 años ya trabajaba de manera regular por los club de Nueva York en varios grupos. Marcus Miller pasó los siguientes años muy solicitado como músico de sesión en los estudios de grabación de Nueva York, trabajando con Aretha Franklin, Roberta Flack, Grover Washington Jr., Bob James y David Sanborn, entre algunos otros.

En 1981 se unió a la banda del que era su ídolo desde la infancia, el trompetista Miles Davis, con quién permaneció dos años, sin embargo con quien ha permanecido largamente unido ha sido con Sanborn en varias producciones.

“Grabamos Baker Street el año pasado, como un experimento para ver qué tal funcionaba de una manera más bluesy y con estilo más acústico. Nos salió a la primera. Sin dudarlo decidimos que tenía que ir en el álbum ya que es un clásico canción que siempre he querido grabar y vimos que complementaba bien el resto del álbum, así que tomamos la decisión el año pasado para lanzar la canción como primer single del disco. Tristemente nos sorpendió la desaparición de Jerry Rafferty en enero, ha sido pura casualidad, y sólo espero que donde quiera que esté le haya gustado nuestra versión de lo que yo considero uno de los mayores temas de todos los tiempos.”

Incógnito tiene una dilatada carrera, componiendo muy buenas canciones de estilo Soul-Funky-Jazz. No hay más que recordar sus discos Tribes, Vibes & Scribes”(1992), “Positivity”(1993) o “No Time Like The Future” (1998), con singles que entran a la primera, compuestos por el músico y productor Jean Paul Maunik con un estilo impecable, con el ingrediente añadido de una voz excepcional como la de Maysa Leak.

Su último disco, “Transatlantic  RPM” nos sorprende gratamente comenzando con uno de los “hits” de los 70 que se mantuvo durante semanas en el nº 1 del Bilboard, “Lowdown” es un famosísimo tema del cantante de Ohio Boz Scaggs, que incluía en su disco “Silk Degrees”, junto a otro éxito como “Lido Shuffle” -que también formó parte de la banda sonora de la película homenaje de las emisoras de frecuencia modulada americanas “FM”- .

Aunque lo canta Mario Biondi, figurando Chaka Khan como segunda voz y coros, la fidelidad al sonido del tema original está muy conseguida, logrando un remake absolutamente delicioso.

A través de Facebook Antonio Fernández, uno de mis más admirados presentadores de radio desde los tiempos de Radio Juventud, ha felicitado a los seguidores de su blog Vivejazz con este video de dos de los músicos más impresionante de de nuestros años, y que ya colaboraron en el maravilloso disco “Beyond The Missouri Sky”.

Pues valga la misma felicitación de Antonio para vosotros, con este video de Pat Metheny y Charlie Haden y el tema “Two For The Road”. Feliz 2011

Dave Brubeck y Jamie Cullum

El cantante, compositor y pianista de Romford, Essex (Inglaterra) Jamie Cullum está llamado a ser una verdadera estrella de su tiempo por su visión, digamos, poco purista del Jazz. Hace una mezcla entre el Pop y el Jazz, lo que ha propiciado que sus álbumes obtengan un gran éxito comercial. Cullum, no obstante, afirma que esta mezcla almibarada no es porque quiera hacer un Jazz accesible, “sino porque sencillamente hago lo que más me gusta”.

Con su voz entre adolescente, algo rota e impostada, no es ni un virtuoso como Frank Sinatra, Sachal Vasandani o la de Harry Connick Jr., -de hecho gran parte del público  norteamericano le considera su sucesor- ni tocando el piano es como Bill Evans, Oscar Peterson o el elegante Dave Brubeck, pero sí es un estimable compositor que se refuerza en cada disco que publica, quizás  por la dificultad que encontró en sus orígenes, primero tocando por los bares de Essex mientra estudiaba cine y  literatura al tiempo que se fimaba sus propios documentales. Pronto se formó en trío y publicó “Hear it all Before”, sin pertenecer a ningún sello discoráfico en concreto, disco del cual se editaron sólo 500 copias que llegan a ser subastadas en eBay por 1.000 libras.

Jamie se mueve bien entre el “star system” y aunque los más puristas de la esfera jazzística no acogieron precisamente con entusiasmo sus primeros álbumes, finalmente su talento sale a relucir y ya es uno de los músicos consagrados de nuestro tiempo. Cullum fue invitado a participar en el disco de Geoff Gascoyne Songs of the summer. Luego logró sacar un segundo CD, “Pointless Nostalgic”, el cual llamó la atención de personalidades de la talla de Michael Jackson, entre otros, y de Universal Records. En octubre de 2003, pocos meses después de firmar el contrato con el sello donde también graba Lady GaGa, Cullum lanzó “Twentysomething”. De este álbum se vendieron 850.000 copias en sólo 4 meses y más de 2 millones de copias en todo el mundo, consiguiendo dos discos de platino y convirtiéndose en el disco  de estudio número 1 editado por un artista de jazz en Inglaterra hasta entonces. Gracias a este trabajo, la nueva  figura del jazz británico obtuvo el premio al «Mejor Artista Nuevo» en la BBC National Radio 3 Jazz Awards y fue nominado como “Artista Revelación” en los premios Brit Awards de ese año.

Su prestigio le ha llevado incluso a adentrarse en el terreno del cine, donde ha sido autor del tema principal de la banda sonora de la película “Bridget Jones Diary”, “Everlasting Love”, así como también la canción “Grace is Gone”, que forma parte de la banda sonora de la película con el mismo título. Su tema junto al bajista Kyle Eastwood para la película es “Gran Torino” dirigida por su padre Clint Eastwood, fue nominada como mejor canción original en los “Golden Globe Awards”. Su quinto disco, The Pursuit, se publicó en en noviembre del año pasado; incluye una canción llamada “D´ont Stop the Music” ¿Adivináis a quien se le ha ocurrido parar la música haciendo explotar su piano? A quién va a ser, al gamberro de Jamie Cullum